Gaiás, Cidade da Cultura
Escenas do cambio 2022

Festival de teatro,
danza e arte en acción

La librería Follas Novas, que este año conmemora su cincuentenario, acogerá en la jornada previa del festival la presentación de los últimos dos libros de Marc Caellas: Dos hombres que caminan (con Esteban Feune de Colombi) y Notas de suicidio (con David G. Torres), ambos muy vinculados a dos espectáculos que formaron parte de la programación de Escenas do cambio en 2021 (Suicide notes y El paseo de Robert Walser).

Dos hombres que caminan (Ediciones Menguantes, 2022) es un artefacto literario escrito a cuatro manos por Marc Caellas y Esteban Feune de Colombi, que recoge veinte singulares rutas a pie. Juntos caminan trenes, rechazos, amaneceres, palacios abandonados, olores, silencios… No es un libro de autoayuda; tampoco una reflexión sobre el caminar. Pero sí un salvavidas para transitar abismos o una lente para observar, walserianamente, el mundo y sus detalles a través de algo tan sencillo como caminar. Literatura, amistad y sentido del humor a cuatro kilómetros por hora.

Notas de suicidio (La Uña Rota, 2022) es un ensayo a partir de los últimos textos escritos por grandes artistas, escritores y creadores en general. La nota de suicidio es el último intento de comunicación con otro ser humano. Siempre nos dirigimos a alguien en una nota de suicidio. Este libro recoge en el papel el espíritu del espectáculo del mismo título que Marc Caellas y David G. Torres trajeron a Escenas do cambio 2021.

Con la participación de los autores Marc Caellas y Esteban Feune de Colombi, y de Lola Correa, directora artística de Escenas do cambio.

Gratuito previa retirada de convite.

Notas de suicidio / Dos hombres que caminan Miércoles 4 de mayo, 19h Librería Follas Novas Presentación de libros

La exposición María Casares – Pedro Soler. Collioure 1989, con la que el festival Escenas do cambio rinde homenaje a la actriz gallega en el año que conmemora el centenario de su nacimiento, muestra objetos y piezas inéditas pertenecientes al recital que hizo María Casares en la ciudad francesa de Collioure en 1989, acompañada por el guitarrista de flamenco Pedro Soler.

La exposición incluye documentos originales como: programas de mano, carteles, artículos en prensa y revistas de la época, así como fotografías y manuscritos de la propia actriz, además del disco Amor Divino Amor Humano que María Casares grabó en los años 60 con versos del Cantar de los Cantares y poemas de temática amorosa de autores españoles como Quevedo, San Juan de la Cruz, Miguel Hernández o Vicente Aleixandre, entre otros. 

  • Museo Centro Gaiás. Planta 0
  • Entrada gratuita
  • De luns a domingo de 10 a 20 horas

 

Fotografía: Pedro Soler, María Casares Collioure – 1989. Album privado Pedro Soler. © Imagen protegida por derechos de autor y cedida exclusivamente para la promoción de la exposición María Casares – Pedro Soler. Collioure 1989 en el marco del festival Escenas do cambio. Prohibida a súa copia, reproducción y distribución sin el consentimiento previo de la organización del festival.

María Casares – Pedro Soler. Collioure 1989 5 de mayo al 28 de agosto, 10 a 20h Cidade da Cultura Museo Centro Gaiás. Planta 0

Un encuentro para compartir la memoria y reivindicar la huella en la historia de María Casares como pionera y referente del teatro del siglo XX. Con la participación de:

  • Pedro Soler. Guitarrista que se inició en el flamenco de la mano de los andaluces exiliados de su ciudad natal y acompañó a María Casares a lo largo de su carrera. Ofrecerá un breve recital al final del acto, en el que interpretará algunas de las piezas de su actuación con María Casares en Collioure (Francia) en 1989, acompañado de la voz de la propia actriz, que ha sido recuperada en una grabación para esta ocasión.
  • Anne Plantagenet. Escritora y autora de la biografía L’Unique, Maria Casarès (La única, María Casares. Alba Editorial 2021), dedicado a la actriz gallega y basado en su correspondencia amorosa con Albert Camus.
  • Lluís Pasqual. Director y actor de teatro. Fundador y miembro del Consejo de Dirección del Teatre Lliure, Premio Nacional de Teatro. Tuvo el privilegio de asistir como espectador a varias de las representaciones de María Casares.
  • Conduce el coloquio Lola Correa, directora artística de Escenas do cambio 2022.

 

Pedro Soler.- Nace en 1938 en Toulouse, entonces capital de la España republicana en el exilio. Fascinado por el arte flamenco, es iniciado por andaluces exiliados, especialmente por el granadino J. M. Rodríguez. Posteriormente, el cantaor Jacinto Almadén lo lleva con él a Madrid y lo nombra segundo guitarrista de su compañía Sons Negros. El primer guitarrista es el afamado Pepe de Badajoz, quien se convertiría en su amigo y maestro.

La bailaora “La Joselito” lo adopta y le transmite el arte de acompañar el flamenco. Después de la muerte de Almadén, Pedro Soler pasa largos años al lado de los maestros Pepe de la Maltrona y Juan Varea. Acompaña ocasionalmente a Carmen Amaya, Carmen Albéniz, Enrique Morente, Miguel Vargas, Carmen Linares y a Inés Bacán. También realiza numerosos recitales como solista por todo el mundo. Junto a Germaine Montero, María Casares y con Anne Alvaro crea recitales de poesía alrededor de la obra de Lorca y Machado. 

Más recientemente, Pedro Soler grabó los discos Barlande (2010) y Al viento (2016), acompañado por el violonchelista Gaspar Claus, y Serrana (2017) con la cantaora flamenca Inés Bacán y de nuevo Gaspar Claus con su violonchelo.

Anne Plantagenet.- La escritora Anne Plantagenet (Joigny, 1972) pasó su infancia en la región de Aube y después vivió en Dijon, Londres y Sevilla antes de establecerse en París. Impartió clases en el extranjero y en el Instituto de Estudios Políticos de París. También dirige talleres de escritura y es conferenciante habitual en escuelas. Es autora de una quincena de libros, novelas, cuentos, relatos, biografías y de una treintena de traducciones del español.

Sus textos exploran la cuestión de la identidad, el exilio, la pareja y el amor. Su último libro, L’Unique, Maria Casarès, dedicado a la actriz gallega y basado en su correspondencia amorosa con Albert Camus, fue publicado en España por Alba Editorial con traduvción de Juan Vivanco.

Lluís Pasqual.- Lluís Pasqual (Reus, 1951) se inició en la dirección teatral en 1968 con Roots, de Arnold Wesker. Fue uno de los fundadores del Teatre Lliure de Barcelona y estuvo a cargo de su dirección durante los años 1998-2000 y 2011-2018. A lo largo de su carrera ha sido director del Centro Dramático Nacional, del Odéon-Théâtre de l’Europe de París, responsable del apartado escénico de la Bienal de Venecia entre 1995 y 1996 y comisario del proyecto Ciutat del Teatre de Barcelona entre 1997 y 1999. En 2004 entró a formar parte del Teatro Arriaga de Bilbao como asesor artístico y también se incorporó al proyecto del Teatro Soho CaixaBank en Málaga.

Ha recibido el Premio Nacional de Teatro de la Generalitat, el Premio Nacional de Teatro del Ministerio de Cultura, el Premio Ciudad de Barcelona, la Cruz de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya y ha sido nombrado Caballero y Oficial de las Artes y de las Letras y Caballero de la Legión de Honor por el gobierno francés. En 2018 fue galardoado con el Premio Atlántida y la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes.

Coloquio-recital en homenaje a María Casares Jueves 5 de mayo, 11.30h Cidade da Cultura Museo Centro Gaiás. Planta 0

Un diálogo con la memoria, con un territorio y con una herencia colectiva al hilo del olvido. Sons do esquecemento o A navalla do Tempo propone al espectador una experiencia sensorial para favorecer la reflexión en torno a un legado al que se debe dar voz. Mateo Feijóo se traslada al pueblo ourensano de Vilar, en la comarca de la Baixa Limia, para construir un relato que toma como base sus recuerdos y las vivencias de la infancia. Partiendo de lo íntimo, de las experiencias vitales y la cotidianidad de las gentes de este territorio, geográfica y metafóricamente aislado, recoge las sensaciones y el saber que residen reposados en la memoria, pero magullados por las huellas del tiempo. La fotografía y los registros sonoros constituyen los elementos clave de un espacio de encuentro e intercambio, donde el espectador debe dialogar con la obra trazando su propio recorrido. “Dejarse atravesar por el camino implica una escucha sensorial. […] trazamos un camino en la memoria, en el conocimiento y en los valores que están suspendidos en el filo de la navaja, a punto de desaparecer”.

Mateo Feijóo

Director artístico, coreógrafo y programador, Mateo Feijóo fue director del festival Escena Contemporánea de Madrid, del Teatro Laboral (Ciudad de la Cultura de Gijón, Asturias) y de Naves Matadero-Centro Internacional de Artes Vivas de Madrid, en esta última hasta marzo de 2020. Ha trabajado como asesor y colaborador en numerosos proyectos, plataformas e iniciativas, como el Festimad, el Centro Coreográfico Galego y el Consejo Nacional de las Artes del INAEM, entre otros. Fue comisario de la exposición The kitchen, Homage to Saint Therese de Marina Abramovic, para España y de El archivo del polvo. An Ongoing Project de Elena del Rivero, presentado el 11 de septiembre de 2021 en el Museo Es Baluard de Palma de Mallorca, con motivo de los 20 años de los atentados de las Torres Gemelas de Nueva York. Como docente, imparte clases en el Máster de Creación Teatral de la Universidad Carlos III de Madrid. 

Ficha técnica

Galicia | Instalación

Creación espacio sonoro: Txema González de Lozoyo
Fotografía: Ximena Garrigues e Sergio Moya Mesa
Vecinos del pueblo de Vilar
Dirección artística: Mateo Feijóo
Residencia ‘Facendo novos camiños’. Programa de Residencias Artísticas del Gaiás 2022

Estreno

Absoluto

Encuentro con los participantes: 5 de mayo a las 18h. Gratuito previa retirada de convite
Entrada libre:
- Viernes 5 de mayo de 16 a 20 horas
- Domingo 8 de mayo de 18:30 a 20 horas
- Del martes 10 al sábado 14 de mayo de 10 a 20 horas

Sons do esquecemento ou A navalla do tempo Jueves 5 de mayo, 18h Cidade da Cultura | Museo Centro Gaiás Sala 2

HH es una fábula. 

HH es un monstruo al que le gusta mirar por la ventana cuando el sol está a punto de desaparecer. Un monstruo al que le gustan los jardines, porque los jardines son cosas que crecen cuando se cuidan y se trabajan.

HH es una historia de amor. 

HH es el hijo que apenas puede esperar a salir por la puerta y que no piensa volver hasta que se cumplan todos sus sueños.

HH es nuestro hijo. Y a los hijos hay que saber cuándo se les tiene que enseñar dónde está la puerta para que se puedan ir.

HH es teatro. 

Pero también es otra cosa.

Voadora

Una mirada irreverente y una cuidada puesta en escena caracterizan el trabajo de Voadora. Bajo la dirección de Marta Pazos, la compañía gallega apuesta por la investigación en la creación contemporánea con un equipo formado por artistas complementarios de diferentes disciplinas cuya hibridación se resuelve, en cada pieza, en un acto de profundo y sincero amor por el arte. La visión ética del trabajo teatral, el cuidado exquisito de cada elemento y una honda reflexión sobre la realidad desde las periferias caracterizan a Voadora, capaz de transformar el espacio del público para presentar montajes únicos en los que la compañía, una potente máquina de generar experiencias y preguntas sin respuesta, deja siempre su señal.

Ficha técnica

Galicia | 90-105 min | 9 €
Teatro

Dirección: Hugo Torres
Dramaturgia: Fernando Epelde, Hugo Torres, Diego Anido
Texto: Fernando Epelde
Escenografía: Marta pazos
Vestuario: Montse Triola
Música original: Hugo torres, Mariña Paz Otero, Tom Archi
Músicas en directo: Hugo Torres, Jose Díaz
Iluminación: Ivan Casal
Producción: Jose Díaz
Ayudante de producción: Vicente Conde
Ayudante de dirección: Diego Anido
Ayudante de escenografía: Pablo Chaves Maza

Estreno

Absoluto
Hoax Hamlet Jueves 5 de mayo, 20h Cidade da Cultura | Museo Centro Gaiás Sala 1

Propuesta de Nieves Correa y Abel Loureda diseñada específicamente para los espacios de la Cidade da Cultura. Trata de una intervención en la que el lugar, la audiencia y las presencias de los artistas se convierten en un todo indisoluble. (Raíz de dos) parte de un espacio vacío e informe en el que el público se distribuye sin ninguna referencia o con referencias equívocas respecto a cómo se va a desarrollar la performance. Desde ese momento van apareciendo progresivamente diferentes elementos que se conforman como el eje fundamental sobre el cual se articula el trabajo, que tiene una configuración circular. La acción se desarrolla tanto en este punto focal como en los márgenes del espacio y en los márgenes del público, reflexionando sobre los aspectos técnicos del propio dispositivo performativo.

Nieves Correa y Abel Loureda

Después de una larga carrera por separado que se inicia a principios de los noventa, tanto en el campo de la creación como en el de la organización, en 2012 comienzan una nueva etapa trabajando y viviendo juntos. Desde entonces, trabajan también en otros procesos de investigación colectivos en torno a la performance, como NeoNeoDADA (Alemania y Suiza), VaconVino (Segovia) y Redoble (Bajo Aragón). El proceso de creación de Nieves Correa y Abel Loureda tiene relación con su vida y sus esperanzas, como una reflexión inconsciente de su proceso de conocimiento común y, por tanto, de conocimiento del mundo. El azar, como tan a menudo en nuestras vidas, es un factor determinante que resuelve muchas de sus propuestas. En sus performances, trabajan siempre con una “partitura” fija con la que controlan el TIEMPO, el ESPACIO y sus PRESENCIAS. Lo que sucede en los entresijos de esa “partitura” es siempre una sorpresa tanto para las artistas como para la audiencia. Han participado en numerosos festivales y proyectos entre los que cabe destacar: Escenas do cambio (Santiago de Compostela); La Acción. Una historia provisional de los 90–MACBA (Barcelona); La Acción contra la Poesía y viceversa–Fundación Joan Brosa (Barcelona); NIPAF (Japón); Espacio de Arte Contemporáneo EACC (Castellón); Bone Festival (Suiza), Centro de Arte la Regenta (Gran Canaria) y Sophiensalle (Alemania). Kiasma Museum (Finlandia). FAAC (Ecuador), Catalystic Art (Irlanda del Norte), Museo Vostell (Malpartida de Cáceres). En 2019 recibieron la beca de la Fundación Castilla y León por la provincia de Segovia por el proyecto (12) Actos de Memoria.

Ficha técnica

Castilla y León | 45 min
Performance | Site-especific

Gratuito previa retirada de convite

Estreno

Absoluto
(Raíz de dos) Viernes 6 de mayo, 18h Cidade da Cultura Exteriores

A partir de una reflexión sobre la propia acción de caminar, de los procesos de creación artísticos y de la representación de caminos y caminantes desde la antropología hasta el arte, la viguesa Mercé de Rande combina movimiento y vídeo en una pieza que se construye de manera específica para un espacio expositivo en el Museo Centro Gaiás. 

Mercé de Rande hace referencia en el título a una de las esculturas más famosas de A. Giacometti “L’Homme qui marche” (El hombre que camina) para elaborar su propio relato sobre la experiencia de caminar y cómo esta nos conecta con la memoria y el tiempo, con el espacio y también con la naturaleza.

Mercé de Rande

Artista interdisciplinar, su trabajo se sitúa entre las artes escénicas y las artes visuales, donde la performance ocupa un lugar privilegiado en su discurso poético y en su desarrollo artístico. Ha trabajado como actriz, bailarina y coreógrafa para la plataforma francesa pionera en la investigación y aplicación de nuevas tecnologías en escena, didascalie.net, y ha realizado numerosas colaboraciones, performances y exposiciones (individuales y colectivas) en distintos lugares de Europa. Se formó en danza contemporánea, artes escénicas e investigación del movimiento a caballo entre Portugal, Francia, Suiza y Nueva York. En 2008 fundó Á Mercé das CirKunsTanzias, plataforma para la investigación y la creación multidisciplinar, con la que dirigió dos producciones en Galicia. En 2014 fue coreógrafa oficial del año en residencia en la Tanzhaus de Zúrich, donde estrenó su primera producción internacional LP4am Sculpture DeVice y comenzó el proceso de su última creación, Lost & Dead in Thunderland

Ficha técnica

Galicia | 45 min
Danza-performance

Concepto, dirección e interpretación: Mercé de Rande
Obra gráfica relativa a lugares concretos (fotos, vídeos y dibujos): Mercé de Rande
Vídeo-creación: Jesús Andrés Tejada
Co-creación de vídeo y espacio sonoro: Chucho González
Asistencia dramatúrgica: Afonso Becerra
Asesoría Belas Artes: Silvia González
Asistencia en el desarrollo inicial del concepto: Rafa Xaneiro
Residencia ‘Facendo novos camiños’. Programa de Residencias Artísticas del Gaiás 2022

Gratuito previa retirada de convite

Estreno

Absoluto
MU-Danza. Unha muller que camiña Viernes 6 de mayo, 19.30h Cidade da Cultura | Museo Centro Gaiás Espacio REGA 3

Hacer un solo que sería una abstracción lírica.

Pero este cuerpo es una forma humana y, en el escenario, es figurativo de esa misma forma. Incluso aunque sea figurativo —en el sentido de qué representa— puede estar, a modo de ejercicio, compuesto de movimientos como en una abstracción lírica. ¿O es más bien una estilizada figuración?

(Un solo entre la abstracción lírica y la figuración).

Una vez que es figurativo, lo que antes era abstracto deja de serlo. E inmediatamente algo, otra cosa, se añade a ella (corriente). Una sola persona, sola en un escenario, apenas evita no ser así… ¿pero quizás hay alguien más aquí? Llevo mucho tiempo aquí. ¿Qué es esto? ¿Qué son estas cosas? ¡Oh! ¡Soy yo! ¿Dónde estoy? Estoy presa en este lugar. ¿Soy (corriente)? *

*La palabra “corriente” —del latín currens (correr, apresurarse)— significa tanto “movimiento”, en el sentido de un movimiento artístico, y “cadena”, como estar encadenado, restringido o confinado a dicho movimiento.

Tânia Carvalho 

Tânia Carvalho (1976) nació en Viana do Castelo y vive en Lisboa. Conocida sobre todo como coreógrafa, con una carrera de más de 20 años, también trabaja en otros campos artísticos, como la música, el dibujo y el cine.

Sus trabajos coreográficos incluyen piezas para el Ballet de la Ópera de Lyon (Xylographie), la Compañía de Elders de Londres (I Walk, You Sing), el Ballet Nacional de Portugal (S), la Compañía Paulo Ribeiro (How Will I do this?), Dançando com a Diferença (Doesdicon), y el Ballet Nacional de Marsella (one of four periods in time), entre otros muchos.

Ha desarrollado varios proyectos musicales, entre los que destacan Madmud, Idiolecto y dubloc barulin. En 2018 dirigió A Bag and a Stone – dance piece for screen (Una bolsa y una piedra – pieza de danza para la pantalla), su primera película. Fue galardonada con el Premio Jóvenes Creadores 2000, con Inicialmente Previsto, y recibió el Premio Autores, de la Sociedade Portuguesa de Autores, por Icosahedron (2012) y oneironaut (2021).

Ficha técnica

Portugal | 45 min | 5 €

Coreografía e interpretación: Tânia Carvalho
​Música: XNX
Concepto de iluminación: Tânia Carvalho
Diseño de iluminación: Anatol Waschke, Tânia Carvalho, Zeca Iglésias
Fotografía promocional: Rui Palma
Vídeo promocional: Manuel Guerra
Produción: Tânia Carvalho, Agência 25 & Estúdio 25
Producción ejecutiva: João Guimarães (ata 2020)
Administración y gestión financiera: Vítor Alves Brotas (desde 2021)
Coproducción: Centro Cultural Vila Flor; Teatro Aveirense
Residencias artísticas: Centro Cultural Vila Flor; O Espaço do Tempo; Teatro Viriato
Estúdio 25 está financiado por el Gobierno de Portugal - Ministério de Cultura/Direção-Geral das Artes para el bienio 2021-22

Estreno

En Galicia
Grasped by Intuition Viernes 6 de mayo, 21.30h Salón Teatro Santiago de Compostela

Obra de teatro-ensayo que mezcla el monólogo teatral con la magia, donde el protagonista acompaña con la lectura de sus diarios su discurso de reflexión y confesión: demuestra cómo toda experiencia estética, incluyendo la experiencia mágica, tiene su origen en la percepción de cada persona y no en la realidad que la rodea. Ofrece al público un rito de generación de convención y de verdad, donde lo mágico se desprende del misticismo para contemplarlo en su realidad mundana. La obra viene acompañada con un pequeño libro que funciona como entrada.

Miguel Ponce de León

Artista gallego multidisciplinar. Veneficio (de lo cotidiano y cómo remediarlo) es el primer proyecto de la compañía de nueva creación Teatro et al., que se consolidó alrededor de la pieza. Con anterioridad, Miguel Ponce de León formó parte de la compañía de teatro universitario de la Universidad de Santiago de Compostela Lobishomes, dentro de la cual ejerció labores diversas de dramaturgia, dirección e interpretación en obras como Quinuituq, O baúl cheo de xente, Insilio (Premio Xuventude Crea 2018) y O corno do derradeiro día. Además, ha colaborado con festivales y colectivos de circo y cabaret en Portugal, Italia, Austria y Polonia, y ha participado en la organización y gestión del Festival San Pedro Sen Paredes (Santiago de Compostela, 2020) y en las dos primeras ediciones del Festival Pataca Minuta en 2018 y 2019.

Ficha técnica

Galicia | 55 min

Dramaturgia, producción e interpretación: Miguel Ponce de León
Dirección: Jose Gregorio Vera y Tyler McKechnie
Técnico: Martín Gómez
Escenografía, vestuario y maquetación: Clara Copena Amigo
Fotografías del libro: Julia González Yáñez
Colaboración con la Universidade de Santiago de Compostela y el Concello de Santiago.

Gratuito previa retirada de convite
Veneficio (de lo cotidiano y cómo remediarlo) Sábado 7 de mayo, 17h Iglesia de la Universidad Santiago de Compostela

Escenas (Con)Textualizadas continúa el proyecto iniciado con Escenas en danza, en la edición anterior del festival, con la idea de reunir a distintas artistas gallegas que, de manera individual, pero con la idea de colectivo, trabajen en la creación de una pieza que busca atravesar las entrañas del Museo Centro Gaiás con un recorrido singular, para expresar en un itinerario el arte del texto. En esta ocasión, la voz será el vehículo y foco de, una vez más, un espacio excepcional que descubrirá, a través de este trayecto, una nueva escena en nuevos espacios.

Cinco creadoras gallegas ponen su voz al eco silencioso y mágico del rincón elegido por ellas como resonador de su propuesta artística.

Murmurios cuánticos. Helena Varela

Aprovechar el cuerpo para cambiar la voz, para cambiar la piel. Quebrar la palabra. Mmmmmm sonido. Disfrutar. La microscopía de la palabra como disfrute para construir lo verdadero. El primer murmullo.

Murmurios Cuánticos es un trabajo en proceso que emplea lo microscópico de la piel para construir un lenguaje propio de mi universo femenino.

Helena Varela.- Titulada Superior en Arte Dramático por la ESAD de Galicia y Máster en Artes Escénicas por la Universidad de Vigo. Performer, actriz, productora y distribuidora del colectivo Cinema Sticado, colectivo formado junto con Xosel Díez con largo recorrido por festivales nacionales e internacionales, donde destacan Polonia, Bulgaria, Suiza y Portugal, entre otros. Premiada en el Festival AnimArt en Łódź (Polonia) en 2017 —Premio al acercamiento más innovador al arte del teatro de marionetas— y en el XXVI International Puppet Theatre Festival de Plovdiv (Bulgaria) en 2021 —Premio a la Innovación tecnológica en el desarrollo de un nuevo lenguaje escénico—. Además, ha participado en producciones audiovisuales como 9 Fugas y A Esmorga, y forma parte del colectivo Estroar, integrado por artistas como Rosa Neutro y EstudioIA, con sede en la península del Morrazo.

SEX. Helen Bertels

Mostrar el dolor de la apertura
Al llegar allí
Total ausencia de tensión
Mirada hacia el cielo
Nada está cerrado, ni los ojos, ni la boca
Después la risa, que da paso a un llanto profundo
Desesperación, mientras mi mano me toca, para saber si sigo aquí
No-no-no

Deseo ser débil
Deseo ser vulnerable.
Deseo entrega.

SEX nace de la reflexión sobre la soledad y quizás la locura, sobre la apertura, la búsqueda de conexión y el encuentro con el vacío.

Helen Bertels.- Actriz, autora y artista alemana establecida en Santiago de Compostela. Se formó y trabajó en el Teatro Galán, en En Pé de Pedra y con la compañía Matarile Teatro durante casi 10 años. Tras su formación en el CECC (Centro d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya) empieza a explorar otras formas de expresión y comienza su trabajo profesional como escritora (última publicación Diario de Nimiedades), artista plástica (Poemas Visuales – series de collage de técnica mixta), como actriz en sus propias creaciones (Wir Frauen, Amor, Nimiedades) y en cine y TV (Migas de pan, Vergüenza, Cuéntame cómo pasó, Luarada).

A los claros del bosque no se va a preguntar. Ana Vallés

“Alguna figura en esta lejanía anda a punto de mostrarse. Figuras que la visión apetece en su ceguera nunca vencida por resplandor alguno. Algún animal sin fábula mira desde esta lejanía. Algún jirón se desprende de una blancura no vista, algo, algo que no es signo. Y la luz no se refleja ni se curva ni se extiende.” María Zambrano, Claros del bosque.

Ana Vallés.- Autora, directora y actriz. Directora habitual de la compañía Matarile Teatro desde su fundación en 1986, junto con Baltasar Patiño, colabora frecuentemente con otras compañías e instituciones. Desde Matarile ha gestionado espacios para la creación y difusión, como el Teatro Galán y el Festival Internacional de Danza En Pé de Pedra. Su última creación, INLOCA, acaba de estrenarse en coproducción con el Centro Dramático Nacional. Precedida por El diablo en la playa, INLOCA está incluida en la Trilogía de la Fragilidad, cuya tercera parte se desarrollará en 2023.

Ser tomada por granito (con Ursula K. Lee Guin). Gena Baamonde

Esta pieza se ubica en los espacios de vulnerabilidad y cuestiona lo que se entiende por fortaleza. Indaga en esas coordenadas espacio-temporales donde el mundo parece ser un lapso de tiempo suspenso y los cuerpos acaban por convertirse en un muro de piedra infranqueable para las emociones.

Gena Baamonde.- Creadora, directriz, investigadora e intérprete con amplia trayectoria en la escena contemporánea. Interesada en las bastardades disciplinares y en la tríada sexo-género-sexualidades. Doctora en Bellas Artes, titulada en Dirección de Escena, forma parte del colectivo VACAburra junto a Andrea Quintana con quien ha estrenado las piezas O Raro é que bailar sexa raro, Metodoloxías carroñeras para corpos invertidos, Festina Lente y Extravíos. Entre sus últimos trabajos, se encuentra la dirección de Trilogía de Naxos para Brigitte Vasallo, Comando Comadres para Matrioshka Teatro y participa en la dramaturgia de la compañía de danza Elahood en su nuevo espectáculo .

Sobre o baleiro. (Sobre el vacío). Ana Abad de Larriva

“A veces me pregunto por todo lo que queda cuando no queda nada. Quiero vaciarme y escupo ruido. Bla, bla, bla. Quiero llenarme de algo y se desborda, porque estoy llena de mierda, de voces, de ofertas, de miedos, de urgencias. Quiero escucharme y escucho el sonido intermitente del teléfono, de los motores, de las alertas. BUM, BUM, BUM. ¿Dónde está el grifo del desagüe para llenarme del vacío?”.

SOBRE O BALEIRO es una pieza que ahonda en la sobreestimulación de la época actual; en la (falsa) necesidad de estar permanentemente conectadas, procurando experiencias y oportunidades continuas. Es una pieza sobre vaciarse del ruido que nos aturde.

Ana Abad de Larriva.- Actriz, performer y creadora escénica, titulada superior en Arte Dramático en la especialidad de Interpretación Gestual por la Escuela Superior de Arte Dramático de Galicia y doctora en Comunicación por la Universidad de Vigo. Como dramaturga, ganó en 2019 el Premio Roberto Vidal Bolaño de textos teatrales con A sombra das árbores y en 2021 el Premio de Microteatro de la Memoria por Un biolo na noite. Entre sus últimas piezas estrenadas o publicadas se encuentran Na memoria da auga; Lama; Na sombra, unha árbore; En caixas y Romper o xeo, bailar a nada. Sus creaciones, de corte performativo, están inspiradas por las artes del movimiento, la música, la naturaleza y el universo femenino, con una visión crítica y comprometida y, a la vez, poética e inspiradora.

Ficha técnica

Galicia
Pieza colectiva creada ex profeso para 'Escenas do cambio 2022' por Helena Varela, Helen Bertels, Gena Baamonde, Ana Vallés e Ana Abad de Larriva.
Precio: 9 €

MURMURIOS CUÁNTICOS: Helena Varela.

SEX
Creación e interpretación: Helen Bertels
Fotografía: Miguel Vidal
Agradecemientos: A.P., equipo técnico de la Cidade da Cultura.

A LOS CLAROS DEL BOSQUE NO SE VA A PREGUNTAR
Creación de Ana Vallés con la colaboración de Nuria Sotelo a partir de textos de María Zambrano.

SER TOMADA POR GRATINO (CON URSULA K. LE GUIN)
Dramaturgia y dirección: Gena Baamonde
Intérpretes: Gena Baamonde y Andrea Quintana/ VACAburra

SOBRE O BALEIRO (Sobre el vacío)
Creación e interpretación: Ana Abad de Larriva
Colaboración técnica Y fotografía: David Rodas

Estreno

Absoluto
Escenas (Con)Textualizadas Sábado 7 de mayo, 19h Cidade da Cultura Itinerante por el Museo Centro Gaiás | Punto de encuentro en la entrada del museo