Eventos archivo - Página 2 de 2 - Escenas do Cambio 2024

Este Manifesto es una mirada poética sobre el espacio y el pensamiento artístico, sobre las diferentes formas de expresión artística que posibilitaron y posibilitan el desarrollo del festival Escenas do cambio. Es también una llamada al riesgo, al deseo como herramienta para expresar desde lo más profundo, para animarnos a soñar y transformar desde la poética nuestro entorno más próximo.

*Acceso conjunto con la entrada al espectáculo Calidoscopio de Gallaecia Ensemble Barroco.

Mateo Feijóo

Fue director del Festival Escena Contemporánea de la Comunidad de Madrid. Director del Teatro de La Laboral, proyecto enmarcado en la Ciudad de la Cultura de Gijón. Asesor de diferentes festivales y espacio en el ámbito nacional e internacional. Puso en marcha Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas, proyecto que finalizó en marzo de 2020.

Como curador de exposiciones, ha trabajado en museos y galerías en el ámbito internacional con artistas como Marina Abramović, Elena del Rivero, Cristina Rodrigues… Como director artístico y coreógrafo ha desarrollado un trabajo personal y en colaboración con otros creadores.

Su actividad artística siempre ha estado acompañada de un trabajo próximo al pensamiento y a la docencia. En la actualidad, imparte clases en el master de Creación Teatral de la Universidad Carlos III de Madrid y lleva la dirección artística del proyecto Flipas · Laboratorio de culturas urbanas, que surgió en Naves Matadero con el apoyo de la Alianza Francesa y el Goethe Institut.

DUAL es una composición escénica en tiempo real basada en una tesis doctoral sobre el movimiento creativo como herramienta para prevenir el envejecimiento motor y cerebral, desarrollada por Álvaro Murillo en la Universidad de Extremadura.

A través de la tecnología, el sonido en directo generado por Murillo es recogido por el músico Daniel Muñoz (Artomático) para crear un espacio sonoro en tiempo real. La escucha entre ambos y las características acústicas del espacio —en este caso del Museo Gaiás— hacen de cada representación un evento creativo diferenciado y único.

DUAL lleva a escena una problemática compleja para la ciencia contemporánea con el objetivo de que el público viva una experiencia creativa y emocional, con base científica.

La tesis doctoral «Envejecimiento motor y cerebral en tareas duales con ejercicio físico, danza y creatividad en personas con fibromialgia» ha recibido el apoyo del Programa Estatal de Promoción del Talento y su Empleabilidad, en el marco del Plan Estatal de Investigación Científica y Técnica y de Innovación 2013-2016. DUAL ha sido seleccionado por el Laboratorio de Nuevos medios de Trayectos, Festival Internacional de Danza Contemporánea de Zaragoza con residencia artística en el Centro de Arte y Tecnología Etopia. También fue residente en el centro coreográfico A Casa Vella (Ourense) a comienzos de 2024.

El trabajo de movimiento fue apoyado desde la escucha y la mirada externa de la coreógrafa e intérprete de danza contemporánea y psicóloga Ana Cotoré.

Álvaro Murillo

Comienza a bailar de adulto obteniendo el título de Psicopedagogía de la Danza y Técnicas del Intérprete en la Universidad de Extremadura. Dentro del programa formativo del Festival À Corps (Francia) recibe formación de coreógrafos como Imre Thorman, Laurent Falguieras, François Chaignaud, Laurent Chetonne, Christine Bombal, Gaëlle Bourges o Boris Charmatz.

Se declara autodidacta en su forma de abordar el lenguaje flamenco junto a la danza contemporánea. Es premio al mejor expediente del grado en Ciencias de la Actividad Física y el Deporte y actualmente realiza un doctorado sobre los efectos físicos y cerebrales de la danza y la creatividad motriz en personas con dolor crónico. A su vez, es uno de los directores artísticos del Festival Internacional de Danza DZM (Cáceres).

Entre sus proyectos creativos sobresalen: El barbero de Picasso (2018, presentada en el Teatro Nacional de Nairobi junto a una conferencia sobre la relación entre África y el flamenco); 8 Km (2019, pieza de calle basada en Las bodas de Sangre de Federico García Lorca); Flamencas (2020) y Serrana (2022) con la compañía de circo, flamenco y danza Albadulake. En 2023 presenta el proyecto Flamenco Futuro, basado en el Decálogo Flamenco de Vicente Escudero a través del programa Flamenco Lab (Fundación Paco de Lucía y Fundación Música Creativa).

Daniel Muñoz – Artomático

Artomático es el proyecto de música electrónica de Daniel Muñoz (Madrid, 1970), músico, productor, gestor cultural e ingeniero de sonido, licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid. Paralelamente, ha trabajado el sonido de directo de figuras de la música española, además de componer para cine y televisión. Estuvo al frente del proyecto de difusión cultural en línea Flamenco-world.com, donde además ejerció la fotografía de escena. Tras varios años de trabajo de laboratorio con máquinas, nace Artomático, que funde la electrónica de improvisación con géneros como el flamenco.

Estrena en el Festival Madrid en Danza la obra DANZA 220V, creada junto a Estévez & Paños y Antonio Ruz. Crea la música y el diseño sonoro del proyecto de danza contemporánea Ojo de Antonio Ruz y, por encargo de la coreógrafa Melania Olcina compone la banda sonora del vídeo de danza experimental Mujer sobre fondo. En 2016 publica su primer disco con el título Electroflamenco, a partir del que desarrolla un espectáculo en directo con artistas invitados en festivales como la Bienal de Flamenco de Sevilla 2020. También crea la música para la obra de danza Hilo Roto de La Venidera, para Albert Hernández e Irene Tena, solistas del Ballet Nacional de España. Además, se hace cargo de la creación musical e interpretación en vivo de Transmutación, de Antonio Ruz.

Ana Cotoré

Comienza en Zaragoza a través de la gimnasia rítmica de competición, el ballet clásico y la danza contemporánea, en la que actualmente centra su actividad profesional en los ámbitos de la interpretación, la enseñanza y la creación.

En danza contemporánea se forma de modo independiente en distintas técnicas impartidas por diferentes profesionales, tanto en España como en el extranjero (Francia, Hungría, Alemania, Letonia, Brasil, Italia, Corea del Sur y Chipre) donde también imparte talleres y forma parte de proyectos artísticos relacionados con la danza, el teatro, la videodanza, el documental y la fotografía. Asimismo, realiza colaboraciones para la creación y es ayudante de coreografía para trabajos de otros profesionales.

Como bailarina e intérprete participa en la compañía Connecting Fingers Company y en el documental When I dance (Alemania). Actualmente, trabaja con la Compagnia Movimento Danza de Grabriella Stazio (Italia) y Matarile Teatro (España). Como solista y creadora participa en diferentes festivales en España (Zaragoza, Huesca, Barcelona) y en el extranjero (Berlín, Todi).

Infiltrado sin camuflaje en Escenas do cambio, el Comando Dramatúrgico nos presenta un avance de sus incursiones en el festival. Este equipo, dirigido por el escritor, dramaturgo y profesor Afonso Becerra, tiene la misión de acompañar los espectáculos con una mirada analítica que estudia, documenta y transmite lo que ocurre tanto en los escenarios como en las plateas, entre el público.

El Comando Dramatúrgico busca propiciar espacios abiertos para el pensamiento y el debate que transciendan la naturaleza efímera de la experiencia artística en la escena. Su trabajo parte del análisis de los espectáculos desde múltiples perspectivas (artística, sociológica, ecológica, técnica, etc.) para ver luego los efectos y afectos que genera cada propuesta en la audiencia.

Forman el Comando Dramatúrgico de Escenas do cambio 2024: Joana von Mayer, Pedro Galante, Juan Escalona, Diana Longa, Iván Fernández, Elsa Pereira y Afonso Becerra.

Afonso Becerra.- Dramaturgo, director de escena y profesor del Departamento de Dirección escénica y dramaturgia de la ESAD de Galicia. También dirige la erregueté | Revista Galega de Teatro y colabora en diferentes medios de comunicación. Es doctor en Artes escénicas por la Universitat Autònoma de Barcelona y titulado superior en Arte Dramática por el Institut del Teatre de Barcelona.

Joana von Mayer Trindade.- Coreógrafa, bailarina y profesora. Se dedica a la investigación y práctica de craft y arte del bailarín/performer con una metodología propia y abordaje singular. Master en SODA (Solo/Dance/Authorship), Universidad de las Artes Berlin UDK/HZT. Licenciada en Psicología (FPCEUP). Fundadora y directora artística de la Nuisis Zobop con Hugo Calhim Cristóvão. Curso de Intérpretes de Danza Contemporánea del Forum Dança y Curso Essais en el CNDC d’Angers.

Pedro Galante.- [Él] Artista y mediador portugués, radicado en Oporto [Portugal], que desarrolla investigación y trabajo artístico sobre la relación cuerpo-espacio y sobre los mecanismos y sistemas implicados en la sensibilidad estética, en la acción de observar y ser observado. Con un enfoque en las artes escénicas y visuales, cruza áreas como la moda, la escenografía, la danza, la estética, los estudios dramatúrgicos, el diseño, la instalación y la cultura queer.

Juan Escalona.- Facilitador teatral con amplia trayectoria, comenzó impartiendo talleres teatrales en 2012, y en 2015 a traballar como coordinador de proyectos europeos. En 2021 fundó la asociación FOCO, donde actualmente traballa, e inició sus estudios en la ESADG. Está formado en facilitación teatral, educación no formal y diversas técnicas teatrales. También facilita talleres y colabora en la creación de manuales pedagógicos.

Diana Longa.- Dramaturga y creadora escénica. Nacida en el año 2001 en la ciudad de Vigo. Termina sus estudios en arte dramático en la ESAD de Galicia en el año 2023 y comienza a colaborar con la Revista Galega de Teatro desde el año 2021, realizando crítica teatral y artículos de opinión.

Iván Fernández.- Actor, director, dramaturgo y profesor de teatro. Graduado en Arte Dramática por la ESAD de Galicia, en la especialidad de Dirección de Escena. Su campo profesional abarca el teatro en muy diversos aspectos, desde la docencia al campo terapéutico. Creador de los talleres de Teatro Emocional y colaborador en la Erregueté, O Galiñeiro, Praza Pública o la TVG, en el programa Zig Zag Diario.

Elsa Pereira.- Baila, cuida de sus plantas e investiga sobre las artes del movimiento. Se formó principalmente en Santiago y en Oporto, onde realizó el (FAICC) Programa de formación avanzada en interpretación y creación contemporánea. Desarrolla un proyecto de danza en espacios no convencionales para reactivar miradas, y crea con Fonsi Millán el Colectivo Cru, propuesta que apuesta por la improvisación como motor de composición. Imparte aulas de danza de forma regular, así como talleres “Site specific” (cuerpo-espacio) para mapear territorios urbanos turistificados con el objetivo de crear camino del deseo propios.

My neighbor sky es un proyecto de creación continua y site specific entre Oguri, bailarín japonés afincado en Los Ángeles (EEUU) y Andrés Corchero, bailarín de origen manchego residente en Cataluña. Ambos se conocieron en Japón en 1986 y fueron miembros de la compañía Mai Juku, dirigida por Min Tanaka.

En Japón, mientras bailaban y trabajaban, Corchero y Oguri miraban y compartían el mismo cielo. Después marcharon por separado a vivir sus vidas y continuaron trabajando y bailando bajo cielos distintos. Casi treinta años después se reencuentran en Barcelona y bailan improvisadamente por las calles del barrio de Gràcia. Como si el tiempo no hubiese transcurrido, se inspiran en el cuerpo y en la danza del otro, aun estando separados en el espacio parece que sus sombras bailan juntas. La conexión es tan honda que hace pensar que quizás estuvieron compartiendo el mismo cielo todos esos años, a pesar de la distancia.

My neighbor sky revive en cada nuevo encuentro entre Corchero y Oguri, atravesado por las vivencias del pasado pero también por los estímulos y la inspiración de cada espacio físico donde se representa. En Escenas do cambio serán el Jardín del Teatro y la instalación Espellos, de Manolo Paz, en el Bosque de Galicia, los escenarios de estos nuevos encuentros, siempre cambiantes, bajo el mismo cielo.

A tener en cuenta: para aquellas personas con movilidad reducida, se recomienda la función del sábado 4 de mayo en el Jardín del Teatro.

Andrés Corchero

Bailarín y coreógrafo nacido en Puertollano (Ciudad Real) y residente en Cataluña. Explorador incansable de los lenguajes del cuerpo y de la danza, estudia teatro, circo, mimo contemporáneo y clown. En 1985 conoce la danza Butoh y decide trasladarse a Tokyo, donde estudia y trabaja con Min Tanaka y Kazuoh Ohno. Entra a formar parte de la compañía Mai-Juku de Tanaka, con la que gira por Japón, Europa y Estados Unidos. Comienza su trayectoria como coreógrafo en Barcelona con el espectáculo A un poeta futuro, primera de las muchas colaboraciones realizadas con el poeta y traductor Feliu Formosa. Recibe, entre otros, el Premio Nacional de Danza de Cataluña en 2003 y el Premio ‘Al pas de la tarda 92’ de Radio Nacional de España.

A lo largo de su trayectoria, Corchero ha colaborado con artistas de diversas disciplinas, como el artista plástico Jordi Rocosa, la cantante Silvia Pérez Cruz, el músico Ivo Sans, los actores y directores Pep Ramis, Enric Ases y Piero Steiner, el pianista Agustí Fernández y el músico Joan Saura, entre otros. De 1993 a 2012 dirige con Rosa Muñoz la prestigiosa compañía Raravis.
De su reencuentro con Oguri nace el proyecto de creación continua My neighbor sky (2012), así como Return to Absence (2014), inspirado en la trilogía de Samuel Beckett, el dueto 451 (2020) y Body as evidence (2022), ambos en homenaje a Ray Bradbury.

En el ámbito de la formación, continúa la labor pedagógica y de difusión del Body Weather que inició hace más de 30 años e imparte clases regulares y talleres intensivos en todo el mundo. Desde 1998 es profesor en la Escuela Superior d’Art Dramàtic y en el Conservatori Superior de Dansa del Institut del Teatre de Barcelona.

Oguri

Bailarín y coreógrafo nacido en la prefectura de Gifu (Japón) y residente en California (EEUU). Formó el Body Weather Laboratory de Los Ángeles con Roxanne Steinberg. Desde hace más de 30 años, Oguri se dedica a la enseñanza y a la creación y producción de obras de danza y multimedia que incorpora a sus instalaciones escultóricas a gran escala en teatros formales y espacios site-specific no convencionales de todo el mundo. Hoy en día, sigue investigando la relación de la danza con el entorno y los límites entre intérprete y público.

Desarrolla proyectos en colaboración con músicos, escultores, pintores y poetas, empleando la literatura, imágenes de la vida cotidiana y materiales sencillos para transformar el espacio y el tiempo con la danza. Tiene también un papel muy activo en el acercamiento de la danza al público general.

En 2011 forma ARCANE Collective con Morleigh Steinberg, para realizar giras de producciones completas y espectáculos en vivo. Ha recibido numerosas becas y premios en Estados Unidos, tanto a nivel regional como nacional e internacional, incluida la beca United States Artist Doris Duke Fellow 2018.

Blondi nace de la idea de contar la historia de la humanidad de otra manera.

Blondi era la perra de Adolf Hitler. Un pastor alemán que él sacrifica antes de cometer suicidio. No es una perra cualquiera, es la perra del Führer. Führer es una palabra alemana que significa «guía», «dirigente», «caudillo» o «conductor».

En una época en que lo privado y lo público se diluyen, en la época de las redes sociales, un youtuber, nuevo guía espiritual, social y económico (un nuevo Führer), busca adeptos y seguidores grabando un tutorial sobre una postura de yoga: el perro boca abajo. Poco a poco, el youtuber-guía se va convirtiendo en Blondi, la perra del Führer, sin saber ya si es guía o seguidor, quién es su dueño, si en verdad tiene dueño, si manda u obedece. Una perra, Blondi, cuyo destino es el sacrificio, o quizás no.

Un canto a la libertad y a la belleza que cuestiona quiénes somos en el mundo actual, inmersos en crisis sanitarias, obedeciendo o desobedeciendo normas, sujetos a cambios, siendo esclavos o manejando máquinas tecnológicas y rodeados de nuevos líderes que nos dicen cómo tenemos que comportarnos, vestirnos, bailar, sin saber si somos líderes o seguidores, si somos libres o esclavos, o tal vez todo sea una fantasía.

David Loira

Creador, bailarín y actor formado en danza clásica, danza butoh, contemporánea, baile urbano, interpretación, clown, acrobacias, cabaré y comedia del arte. Desde 2002, ha participado como intérprete, productor, director y docente en numerosos proyectos tanto en Galicia como a nivel estatal e internacional, y ha colaborado con compañías como Experimenta Danza, Caramuxo Teatro, Pisando Ovos, Berrobambán y Kirenia Danza, entre otras. Dirige las piezas Over the Rainbow (2009), Tulipanes (2010), Macho (2010), We need a name: Gil Eanes (2017) y Blondi (2024), proyecto que surge de una invitación a participar como artista en el Festival Queer de Lisboa 2021 y de su experiencia como guía turístico en Berlín y en el campo de concentración de Saschenhausen.

Como creador, Loira decide crear «belleza y poder» ante conductas, pensamientos, episodios históricos universales, experiencias colectivas y personales que tienen que ver con el rechazo o el odio a la diferencia, la xenofobia, el racismo y la homofobia.